La storia degli Smiths comincia nella grigia e inquieta Manchester dei primi anni '80. E' qui che il chitarrista John Marr contatta il cantante Steven Patrick Morrissey, personaggio particolare, amante di Oscar Wilde e del decadentismo, ma anche dei poeti e degli chansonnier francesi (da Baudelaire a Brel), con il culto di James Dean. I due formano così il nucleo fondamentale degli Smiths. Qualche tempo dopo si aggiungono alla band il bassista Andy Rourke e il batterista Mike Joyce. In una scena britannica caratterizzata dagli ultimi e stanchi rigurgiti del punk, gli Smiths cambiano registro, rispolverando il pop, quello d'alta classe della scuola britannica di Beatles, Kinks e Bowie. Morrissey compone musiche malinconiche e trasognate, con orchestrazioni scarne, a base di archi, e melodie suadenti. Un repertorio che la band trasporta dal vivo, in una serie di concerti, attirando l'attenzione dei discografici e riuscendo a firmare, nella primavera 1983, per la Rough Trade.

Attraverso una serie di singoli, gli Smiths si impongono presto all'attenzione del pubblico. Il primo, "Hand in glove", è un folk-rock incalzante, il successivo "This Charming Man" è una ballata briosa che riecheggia i Pretenders, "What Difference Does It Make" è un boogie possente e trascinante. Con questo tipo di brani, gli Smiths riescono a interpretare alla perfezione il mutamento generazionale: dalla rabbia punk all'umore desolato e decadente di una nuova schiera di "kids". Il suono della band inglese raggiunge forse il suo apice nell'ultimo singolo del periodo, "How Soon Is Now": una lenta litania da muezzin accompagnata dal tremolo psichedelico della chitarra, che si snoda in modo ipnotico e suggestivo.

Nella primavera '84, esce l'album d'esordio The Smiths, che scala subito le charts britanniche arrivando fino al 2° posto. Le architravi sonore degli Smiths sono da un lato il caratteristico arpeggio "fatato" del chitarrista Johnny Marr (Maher), sorta di Tom Verlaine in chiave ancor più romantica e decadente, dall'altro il crooning sensuale e disperato di Stephen Morrissey. Ad aggiungere un fascino al tempo stesso tragico e polemico all'operazione erano le liriche dello stesso Morrissey, omosessuale introverso e iper-sensibile". Uno stile che ricorre anche nel successivo Meat Is Murder (1985), che segna però un passo indietro, malgrado la ballata raffinata di "That Joke Isn't Funny Anymore".

Ma è nel 1986, con The Queen Is Dead che gli Smiths raggiungono la piena maturità. E' un lavoro raffinato, con testi introspettivi ma anche irriverenti, e musiche in bilico tra il pop più orecchiabile e la sperimentazione di scuola new wave. Una decina di canzoni delicate e deliziose, costruite su uno stile asciutto, capace di sedurre con pochi, essenziali elementi, tra cui l'espressiva vocalità di Morrissey, crooner decadente e inconsolabile, che in alcuni episodi (l'umoristica "Frankly, Mr. Shankly", ma anche la severa "I know it's over") fa persino il verso a Frank Sinatra. Gli episodi migliori dell'album, però, sono quelli in cui ritornelli intriganti si innestano su partiture solo in apparenza semplici, come nell'apocalittica title track, che si rifà al dark-punk d'annata, nella bizzarra "Bigmouth strikes again", nella ballata classicheggiante di "The boy with the thorn in his side", o nell'orchestrale "There is a light that never goes out". Il sarcasmo di Morrissey travolge "intoccabili" istituzioni inglesi, dalla famiglia reale di "The Queen is dead" alla Curia di "Vicar in a tutu". E il suo umorismo, sempre più nero e autoironico, si sublima in pezzi come "Cemetry Gates" (un romantico rendez-vous in un cimitero) e la splendida "There is a light that never goes out" (che racconta di un "celestiale modo di morire in due", travolti da un autobus a due piani...).

Gli Smiths sono ormai il riferimento per una nuova generazione di ragazzi, che ne segue look, stile e ideologia. I media li osannano. Eppure Morrissey, che non ama apparire in pubblico, sostiene che la band ha sempre fatto tutto da sola: "Gli Smiths non hanno mai avuto un aiuto da anima viva in questo pianeta. In un mondo come quello della musica, dominato dalle leggi diaboliche del business, la nostra stessa sopravvivenza è un miracolo". A chi li accusa di fare musica per una generazione di adolescenti depressi e in crisi d'astinenza, Morrissey replica così: "Può darsi, ma queste persone sono importanti. I loro desideri sono importanti, tutti i nostri desideri contano. Altrimenti per chi dovremmo cantare? Per la Thatcher?". Mentre i veri nemici degli Smiths, per il loro leader, sono "i fanatici della musica dance, dei suoni privi di umanità, quelli che hanno perso la fede e non credono in niente". Un odio contro le discoteche che Morrissey sublima in un brano al fiele come "Panic": "Burn down the disco/ Hang the blessed D.J./ Because the music that they constantly play/ It says nothing to me about my life" ("Brucia la discoteca/ Impicca i benedetti dj/ perché la musica che mettono sempre/ non ha niente da dire sulla mia vita").

Oltre a "Panic", nel 1986 escono anche altri due singoli: la ritmata "Ask" e la insolitamente dura "Shoplifters Of The World", che fanno da preludio all'uscita del nuovo album, Strangeways Here We Come (1987). E' un disco che ripropone Morrissey e soci al massimo delle loro potenzialità. Ci sono le melodie contagiose di "Sheila Take A Bow", la ballata funerea e cadenzata di "Girlfriend In A Coma", la metafisica "Death Of A Disco Dancer", ma soprattutto "Last Night I Dreamt That Somebody Loved Me", un valzer spettrale e struggente il cui testo si rivela uno dei più toccanti dell'intera produzione di Morrissey.

Protagonisti anche sulla scena politica con il movimento di "rock socialista" Red Wedge, gli Smiths, proprio al culmine della loro popolarità, si sciolgono nel 1988. L'antologia doppia dei loro singoli The Smiths Best, I e II (1992) condenserà il meglio della loro produzione. Ma le strade di Marr e Morrissey si separano definitivamente: il primo forma gli Electronic con Bernard Sumner dei New Order, il secondo intraprende una carriera solista che lo vedrà sempre al centro dell'attenzione dei media, ma molto distante dai traguardi raggiunti con gli Smiths.

Il suo primo album Viva Hate (1988) presenta un paio di singoli d'effetto come "Everyday Is Like Sunday" e "Suedehead", ma ripropone anche i limiti degli Smiths: un canto monotono e lamentoso all'eccesso, brani ripetitivi e stucchevoli, arrangiamenti prevedibili. Con Bona Drag - forte di singoli come "Interesting Drug" (con Marr alla chitarra e Kirsty MacCall al controcanto), "Ouija Board, Piccadilly Palare" (uno ska alla Madness) e "Yes, I Am Blind" (un gospel teatrale alla Nick Cave) - Morrissey tenta di invertire la rotta di un declino inesorabile. Ma i successivi album Kill Uncle (1991), Your Arsenal (1992) e Vauxhall And I (1994), pur ottenendo un buon successo di pubblico, non aggiungono molto al suo repertorio. Semmai, ad emergere, sono le sue liriche, sempre argute e irriverenti (ma accusate talvolta di razzismo). E anche il personaggio-Morrissey continua a imperversare, con uscite provocatorie contro "mostri sacri" d'Inghilterra (la Famiglia reale) e del rock (Live Aid).

Nel 1994, però, Morrissey torna ad emozionare con "Interlude", un magico duetto con Siouxsie sulle note di una ballata struggente e romantica. Ma nonostante la collaborazione del produttore Steve Lillywhite (U2), il successivo e pomposo album Southpaw Grammar (1996) non riaccende gli entusiasmi. Forse più interessante, allora, un disco come Maladjusted (1997) che ripropone Morrissey nei panni più sobri di chansonnier che meglio gli si addicono, con brani disperati e ironici al tempo stesso come "Satan Rejected My Soul".

Il clamoroso ritorno nel 2004 con You Are The Quarry rilancia le quotazioni di questo guru del pop contemporaneo, traghettandone il sound nel nuovo millennio.
Morrissey è ancora capace di emozionare con morbide melodie disegnate dalla sua calda voce rassicurante che domina in tutte le 12 tracce, grazie anche a un'essenziale e precisa sezione ritmica, sulla quale trovano riscontro delicate trame di chitarra e tastiere, alternate a distorsioni sature e a un moderato uso di loop e synth. Per nulla scontati i testi delle canzoni: la dialettica di Morrissey è molto incisiva, semplice, diretta e intrisa di ironia. Eloquente in questi termini "America Is Not The World", dove il modello americano all'insegna di libertà e pari opportunità viene messo in discussione, così come Oliver Cromwell e i regnanti inglesi in "Irish Blood English Heart", il singolo power-pop.
In "I'm Not Sorry", Morrissey non rinnega nulla di ciò che ha detto o fatto in passato, mentre in "The World Is Full Of Crashing Bores" (uno dei vertici dell'album) tira in ballo l'opportunismo e la mediocrità che dilagano nel mondo, un tema rivolto in modo specifico ai suoi detrattori in "How Can Anybody Possibly Know How I Feel?". C'è spazio anche per la sensualità di "Let Me Kiss You" e per la commovente introspezione di "Come Back To Camden" (altro pezzo forte della raccolta), mentre stanno nell'irresistibile crescendo di "I Have Forgiven Jesus" alcuni tra i versi migliori dell'album, rivolti direttamente a Gesù Cristo ed esaltati da un'interpretazione magistrale.
"First of the Gang to Die", infine, è un motivetto irresistibile, degno die tempi d'oro degli Smiths.

Due anni dopo, ecco Ringleader of the Tormentors, registrato a Roma, con un mostro sacro come Tony Visconti in cabina di regia, desideroso di pronto riscatto dopo l’inenarrabile flop di “Reality”, il suo ultimo lavoro con David Bowie. L’ispirazione del nostro prende forma in canzoni complesse come l’acida e cupissima arringa iniziale, “I Will See You In Far Off Places” e la lunga “Life Is A Pigsty”, una delle pagine più riuscite e coraggiose della sua carriera solista.
Le canzoni si segnalano, tutte, per la loro perfezione formale. “Dear God Please Help Me”, al cui arrangiamento ha contribuito Ennio Morricone, eccede forse in sentimentalismo, ma anche nei momenti meno convincenti (ad esempio l’immancabile ballatona à-la Elvis “I’ll Never Be Anybody’s Hero Now”) a salvare la baracca c’è sempre quella voce, calda e profonda, in grado di emozionare come poche altre.
Peccato che se da un lato Morrissey si mostra ispiratissimo nel costruire il ritornello killer (appunto!) di “You Have Killed Me”, splendida, perfetta pop-song saggiamente scelta come singolo apri-pista, dall’altro canzoni come “The Father Who Must Be Killed” o la conclusiva “At Last I Am Born”, per quanto la forma sia, come detto, impeccabile e pure i contenuti non manchino, non riescono a catturare come dovrebbero. Funzionano meglio brani più diretti e meno ambiziosi come “On The Streets I Ran” e “The Youngest Was The Most Loved” che d’altra parte non fanno che ricalcare il singolo, con solo un po’ di brillantezza in meno. E sia il brano più pop, “In The Future When All Is Well”, che quello più atmosferico “To Me You Are A Work Of Art”, sanno fin troppo di maniera.